Para Actores, Bailarines, Músicos, Artistas de la Performance, amantes de la Improvisación y
el Movimiento.

“He estado enseñando desde que comencé a actuar profesionalmente a mediados de los 70. Estoy dedicada a cómo el proceso y la investigación desempeñan un papel importante en la manera en que uno puede seguir siendo artístico en la forma en que aborda su vida y su trabajo.

He tenido la posibilidad de crear material para mis talleres a partir de una amplia gama de prácticas en las artes escénicas. Nunca he formulado mi material de enseñanza en un cuerpo de conocimiento congelado. No creo que la acumulación de conocimiento sea la forma en que uno se convierte en maestro. Creo que está fuera de mi práctica y la práctica que presencio con un alumno, que todo conocimiento se aclara en las clases que estoy dirigiendo.

Ahora, en mis 60, he impartido talleres a nivel internacional y en sistemas universitarios durante más de 35 años. Mi entusiasmo por los artistas jóvenes para poder iniciar su práctica se muestra en cómo he seguido manteniéndome conectado con las nuevas tecnologías, las nuevas investigaciones en ciencias físicas, asuntos
económicos y políticos, en relación con las artes escénicas y los campos de la música. El campo profesional de las artes ha cambiado drásticamente en comparación con cuando comencé mi práctica a mediados de los 70. Como parte de mi enseñanza, aliento a los jóvenes artistas a diseñar estrategias que les permitan mantener la investigación y la creatividad en la producción de su trabajo y, a la vez, sobrevivir.

En su taller, tomo una visión microscópica del rol que desempeña la improvisación en una actuación en vivo,
combinando mi experiencia en las artes escénicas con una curiosidad por los avances en estudios cerebrales, música e investigación de movimientos.”

Investigación de Movimiento/ Improvisación/ Composición.

Hacia la creación de obras en una plataforma de teatro musical. Guío a los artistas a través de ejercicios físicos que resaltan cómo los ojos y los oídos afectan las elecciones de movimiento. Utilizo materiales de conferencias para investigar con la investigación (El cerebro del desarrollo (“Por qué aprendemos a caminar”) junto con ejercicios y juegos para involucrar al estudiante físicamente, explorando emociones, sentimientos, intuición y empatía como un medio para apoyar “Danza y / o movimiento creativo.

Es un paseo lujoso ”. Extiendo el taller hacia sesiones de improvisación estableciendo un frente ficticio en el espacio del estudio y luego declaro esto como una plataforma para elegir pausar, fluir o salir. Resalto cómo el límite de estas tres opciones ya puede proporcionar el marco para una composición, y que el malentendido, la coincidencia, el tiempo real, la interactividad, el desorden y la inspiración son básicos en un proceso creativo. Estas materias primas se integran con el hecho combinado de que todos en el grupo del taller pueden "elegir". Las sesiones de improvisación reciben un marco de tiempo delegado con una opción para que el grupo del taller cambie, suelte o levante el espacio a voluntad. La práctica de un desarrollo individual de presencia es un proceso crítico en el taller, ya sea en movimiento, figura-objeto o voz. Utilizo los juegos para establecer un ejemplo para crear y eliminar la tensión en un espacio de teatro musical a través de la presencia de un individuo con un énfasis en los estados de ánimo en la performance, como la vulnerabilidad y el expresionismo. Elección como posibilidad; se presenta al grupo del taller como una
realidad compositiva que permite a las personas elegir participar en el performativo o como espectador y, sin embargo, seguir participando en el proceso.

El objetivo es reunir al grupo del taller para reconocer que, en un proceso de composición creativa, el tiempo pasa en diferentes velocidades percibidas y que el espacio cambia en varias dimensiones a la vez. Esta plenitud despierta puede promover la presencia de un rendimiento individual, el estado de alerta de la composición y el apetito por la creatividad.

Todos los días practicaremos y nos comprometeremos con todos los aspectos disponibles para nosotros en una plataforma de teatro musical. Me centraré en un área de estudio en conferencias, práctica, retroalimentación y reflexión cada día; Sonic – tensión – cuerpo / música – cuerpo – texto / música – objeto – figura Texto breve (material de clase) del taller de Katie Dile al cerebro que le diga a la mente que se calle: el cuerpo me obedece La creatividad es desordenada. Tres elecciones surgen del desorden; Detener el flujo y salir.

Cada una de estas opciones es una montaña de estudio y cada una de estas opciones se comparte en el espacio bajo la guía de la relación del artista / artista con su público. Está bastante claro cuando la elección del artista ha sido cerrada por soluciones retratadas como "ideas". En busca de la autoría, estas "ideas" colocan un filtro entre el artista y el público. Fuera con sus cabezas, dejen que los artistas elijan. No estoy interesada en el momento, aunque se sienta bien. Estoy interesado en el tiempo de movimiento y en el hecho de que el tiempo nos está pasando. El movimiento del tiempo es lo que compartimos con la música, el sonido, la vida pública y, más obviamente, la "vida". El intérprete/ bailarín/ actor/ músico debe ser el mejor oyente en el teatro para poder leer los sonidos en un momento. Si lees los sonidos a tiempo, puedes escribir, revelar y dar presencia a un cuerpo sónico. Un cuerpo completamente despierto es raramente peatonal.

El cuerpo despierto necesita ser descubierto y exige una disciplina más allá de las tareas cotidianas. Y sin embargo, cuando el movimiento o la danza no respetan la belleza del cuerpo en el peatón, me siento incómodo. Cómo funciona el cuerpo, cómo vemos un cuerpo, no es tan diferente entonces en cómo nos sentimos acerca del cuerpo. Cualquier cosa menos que sentir el cuerpo es como ver a un perro tratando de aprender ballet. La desafiante realidad es que somos voluntarios para estar frente a personas y luego más locos, en una composición en tiempo real. Respetamos que el público haya pagado el boleto para juzgarnos. Que es su trabajo es; para juzgarnos Ciertamente, no es nuestro trabajo juzgarlos a nosotros mismos ni a nosotros mismos en este proceso enormemente ridículo de rendimiento en tiempo real. Naturalmente uno está nervioso e incluso asustado. Esas emociones se integran con el acto de voluntariado para realizar. De la manera más perfecta, esta combinación crea una vulnerabilidad y humildad con cada elección artística. Si ya no estoy nervioso antes de un concierto, entonces algo ha salido terriblemente mal.

Hay una diferencia entre ver, mirar y mirar y una diferencia entre escuchar y escuchar. Un artista puede elegir si desea que un público vea o vea: escuchar o escuchar. Elijo que el público vea y escuche, y hago lo mejor para reunir una multitud en esa búsqueda. No siempre funciona y nunca es 100% del público. Pero porque lo elijo, se aclara quién soy como artista. ¿Está interesado en un público mirando o mirando a su cuerpo? ¿O quieres que se recuerde al público que tienen un cuerpo? Para poder llevar un objeto a un espacio de actuación, necesitas enamorarte. Debes enamorarte del objeto sabiendo que nunca te volverá a amar. Es similar a cómo la música puede afectar al intérprete. Con la música, en realidad caemos en un estado mental ilusorio y creemos que la música te ama. No es así, y usted necesita objetivar estos sentimientos para rastrear cómo se está moviendo en el tiempo. Pero necesitas creer que el objeto te ama de vuelta. A pesar de que no lo hace. El amor da la impresión de que el objeto se está moviendo en el tiempo. Que es vivo similar a la música como objeto. [Salto de ajuste de texto] La combinación de moverme, ver, escuchar, sentir y voluntariamente ofrecerme voluntariamente para exponerme frente a una audiencia altera mi percepción del tiempo, el espacio y las emociones. Lo que hago para ganarme la vida es una locura neuronal inducida.